ROY LICHTENSTEIN
Roy Fox Lichtenstein (Nueva York, 27 de octubre de 1923 – Nueva York, 29 de septiembre de 1997), pintor estadounidense de arte pop, artista gráfico y escultor, conocido sobre todo por sus interpretaciones a gran escala del arte del cómic .
Obtuvo el doctorado en Bellas Artes por la Universidad estatal de Ohio en 1949.
Sus primeras obras eran de estilo expresionista abstracto, pero después de 1957 comenzó a experimentar con imágenes tomadas de los cómics que había en los papeles de envolver chicles, libremente interpretadas y mezcladas con imágenes sacadas de los cuadros del Viejo Oeste de otro artista estadounidense, Frederic Remington.
A partir de 1961 se dedicó por completo a producir arte mediante imágenes comerciales de producción masiva.
Sus historietas de cómics, como Good Morning, Darling (1964, Galería Leo Castelli, Nueva York), son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos.
Sus últimas obras, entre las que están las reproducciones de personajes muy populares de la novela rosa, paisajes estilizados y copias de postales de templos clásicos, muestran la influencia de Henri Matisse y Pablo Picasso.
También sus esculturas recrean los efectos de los cómics. Ha realizado, también, obras en cerámica.
En 1993 el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York expuso una retrospectiva de su obra que viajó por muchos otros países.
TOM WESSELMAN
Tom Wesselmann (Cincinnati, Ohio, 23 de febrero de 1931 – Nueva York, 22 de diciembre de 2004) fue un pintor de pop-art estadounidense.
Hasta su fallecimiento, Wesselmann era uno de los últimos grandes maestros del pop-art americano en activo, muy popular por sus audaces e impactantes desnudos femeninos.
Se matriculó para la carrera de Psicología en 1951, pero al año siguiente fue llamado a filas por la guerra de Corea. Sin embargo, finalmente fue destinado a Fort Riley, en Kansas.
Creó tiras de cómic sobre la vida militar, y posteriormente diversificó sus temas. Abandonó el Ejército (1954), reanudó la carrera de Psicología y se licenció en 1956. Fue entonces cuando se trasladó a Nueva York para dedicarse al cómic. Estudió en la Cooper Union School of Art and Architecture hasta 1959.
Sus primeros tanteos como pintor, bajo influencia de Willem de Kooning, se mueven en el expresionismo abstracto entonces en boga. En 1959 elaboró sus primeros collages abstractos, pero pronto se interesó por la figuración de Matisse, Van Gogh y Modigliani, y al año siguiente pintó sus primeras obras figurativas, incluyendo paisajes.
Su primera muestra individual, en la Tanager Gallery de Nueva York, tuvo lugar en 1961. Ese mismo año inició su extenso ciclo de Great American Nudes (Grandes desnudos americanos). Los primeros eran collages de formato reducido, pero los posteriores los realizó al óleo y con colores acrílicos en grandes formatos. En algunos de ellos incorporó objetos reales.
Un lienzo de dicha serie, Desnudo nº 1, de 1970, cuelga en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.
En fechas posteriores, Wesselmann produjo series sobre fumadores así como enormes bodegones con elementos de la vida cotidiana, como electrodomésticos, botellas, helados... Experimentó con la escultura, por medio de planchas recortadas.
Su producción gráfica es amplia y abarca varias técnicas (litografía, serigrafía, aguatinta).
EDUARDO PAOLOZZI
El profesor Sir Eduardo Luigi Paolozzi (7 de marzo de 1924 – 22 de abril de 2005), fue un escultor y artista escocés. Paolozzi nació en Leith al norte de Edimburgo, el hijo mayor de inmigrantes italianos. Estudió en el Edinburgh College of Art in 1943, brevemente en la St Martin's School of Art en 1944, y luego en la Slade School of Art en Londres desde 1944 hasta 1947, después de lo cual trabajó en París, Francia.
Ampliamente surrealista, Paolozzi llamó la atención pública en los años 1960 al producir varios impresionantes serigrafías. Paolozzi fue el fundador del Independent Group, que es considerado como precursor del movimiento británico pop art de los 60s. Su collage de 1947 I was a rich man's plaything, a veces es etiquetado como la primera muestra real del Pop Art, si bien él ha descrito su obra como surrealista.
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| La idea era, reuniendo diversos objetos encontrados en su vida cotidiana, construir una obra que reuniera una representación de lo que constituía a la sociedad de la época. |
Enseñó escultura y cerámica en varias instituciones, tales como la Universidad de California, Berkeley (en 1968) y en el Royal College of Art. Paolozzi ha tenido una larga relación con Alemania, habiendo trabajado en Berlín desde 1974 como parte del Artists Exchange Scheme. Fue profesor de la Fachhochschule en Colonia desde 1977 hasta 1981, y posteriormente enseñó escultura en la Akademie der Bildenden Künste en Múnich.
Paolozzi fue condecorado con la CBE en 1968 y en 1979 fue elegido para la Royal Academy. Recibió el título de Her Majesty's Sculptor in Ordinary for Scotland en 1986, conservando el oficio hasta su muerte. Se convirtió en Sir Eduardo después de su ordenación en 1989.
En 1994 Paolozzi dio a la Scottish National Gallery of Modern Art una buena cantidad de sus obras, y mucho del contenido del estudio del artista. En 1999 las Galerías Nacionales de Escocia abrieron la Dean Gallery para mostrar su colección, y la galería muestra una reproducción del estudio de Paolozzi con sus contenidos arreglados como lo estaban en su ubicación original en Londres.
En 2001 Paolozzi sufrió un accidente cerebrovascular casi fatal (causando un reporte incorrecto en una revista que señalaba que había muerto).
Sin embargo, la enfermedad lo confinó a una silla de ruedas, y murió en un hospital de Londres en abril de 2005.
DAVID HOCKNEY
David Hockney, (n. 9 de julio de 1937) es un artista inglés, que vive en Los Ángeles, California.
Es un importante contribuyente del Pop Art inglés de los años 1960. Pintor, ilustrador, dibujante y escenógrafo es considerado uno de los artistas más influyentes del s. XX.
Hockney nació en Bradford. Estudió en la Bradford Grammar School, en el Bradford College of Art y en el Royal College of Art en Londres donde conoció a Roland B. Kitaj. Mientras todavía estaba en el Royal College of Art Hockney fue presentado en la exposición Young Contemporaries al lado de Peter Blake que anunciaba la llegada del British Pop Art. Se vincula con el pop art, pero sus primeros trabajos también muestran elementos expresionistas, no muy distintos de ciertos trabajos de Francis Bacon.
Richard Hamilton (nacido el 24 de febrero 1922), pintor británico, uno de los iniciadores del Pop Art inglés.
En 1938 comenzó sus estudios de pintura en las Escuelas de la Real Academia de Londres, que se prolongarían hasta 1951. Entre 1941 y 1945 trabajó como delineante técnico, y ya en 1950 realizó su primera exposición en solitario, en la que presentaba una serie de aguafuertes.
El año 1952 fue clave para su trayectoria: comenzó a impartir clases de tipografía y diseño industrial en la Escuela Central de Artes y Oficios, y fundó, junto a Eduardo Paolozzi , Lawrence Alloway y Peter y Alison Smithson , el Independent group , del que fue miembro hasta 1957. Hamilton fue uno de los primeros artistas que se interesaron por la publicidad y por los cómics americanos.
El año 1956 fue otra fecha clave en su carrera: se celebró la exposición “This is tomorrow”, en la Whitechapel Art Gallery de Londres, y fue el propio Hamilton el que organizó la contribución del Independent group para la muestra. Allí presentó su collage ¿Pero qué es lo que hace a los hogares de hoy día tan diferentes, tan atractivos? , una auténtica declaración de principios para el Pop Art inglés. En esta obra se encuentran presentes muchos de los elementos de la cultura trivial americana: una chica de revista, un culturista, un televisor, un emblema de la Ford, un cartel de cómic, una aspiradora, un cartel de cine, un retrato de un antepasado centenario y un enorme chupa-chup con la inscripción ‘pop', sostenido por el culturista a modo de raqueta de tenis, todo ello bajo un techo que no es más que el planeta Tierra.
Este collage se convirtió en la imagen programática del Pop Art británico. En él Hamilton muestra su fascinación por ciertos iconos de la opulencia americana, no sin ciertos toques irónicos. Por otro lado, utilizó una técnica típicamente cubista , surrealista y también dadaísta , el collage, plena de sofisticaciones, alusiones a ciertos iconos y ambigüedades.
Para Hamilton fue decisiva la influencia de Marcel Duchamp , al que conoció a través de Nigel Henderson durante sus estudios en la Real Academia de Londres, más incluso que el propio surrealismo o dadaísmo.
Duchamp fue el primero en exponer objetos cotidianos, fabricados en serie, en galerías y museos, y Hamilton le rindió su propio homenaje, primero, en 1960 con una versión tipográfica de la Caja verde, y más tarde, entre 1965 y 1966, con una réplica del Gran vidrio . Ese mismo año, en 1966, organizó la exposición retrospectiva “The Almost Complete Works of Marcel Duchamp” en la Tate Gallery de Londres.
Durante las décadas de 1960 y 1970 realizó una serie de ‘productos' según el concepto de ready-made de Duchamp, en los que jugaba sutilmente con la percepción de iconos popularmente reconocidos, a los que otorgaba la categoría de objetos artísticos, resumido todo ello en palabras del propio Duchamp: “¿Qué es exactamente lo que convierte un objeto en obra de arte?”.
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| Esta trabajo fue la respuesta de Hamilton a la detención y el juicio de Mick Jagger de los Rolling Stones y Robert Fraser, que fueron condenados por posesión y consumo ilegal de drogas. |
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| Fuente Marcel Duchamp |
A partir de 1968 se suceden las exposiciones y los premios. Ese mismo año y también en 1977, participó en la Documenta IV y VI de Kassel (volvió a participar en la Documenta X en 1997), y en 1970 obtuvo el Premio Internacional Talens. En 1979 se presentó una retrospectiva de su obra en la Tate Gallery de Londres y también en la Kunsthalle de Berna (Suiza). En 2003 se celebró otra retrospectiva de Hamilton en el MACBA de Barcelona, que abarcaba su producción desde 1932 hasta nuestros días, y donde se presentaron unas 180 obras.
CLAES OLDENBURG
(Estocolmo, 1929) Artista americano, una de las figuras más destacadas del arte Pop. A los cinco años se trasladó con su familia a Chicago. En 1950 se graduó en Yale y pasó a estudiar en la Escuela de Arte del Instituto de Chicago. En 1956 se trasladó a Nueva York, donde pronto conoció a otros artistas del happening y del environment (Jim Dine, Red Grooms, Allan Kaprow y Geoge Segal, entre otros).
En conexión con estas experiencias presentó su primera exposición individual en la Judson Gallery (1960) bajo el título de La calle. En ella reunía figuras y objetos realizados con materiales baratos (tela, cartón, papel), formando una singular evocación del paisaje urbano.
Un año después expuso La tienda, un espacio atestado de facsímiles de alimentos, ropa y otros objetos, hechos fundamentalmente con alambre, yeso y tela, y pintados de brillantes colores. La intencionalidad de crear un realismo mimético era evidente, pero esos productos se parecían más a sus imágenes publicitarias que a ellos mismos y la mayor novedad de la exposición fue el hecho de obligar al espectador a meterse, literalmente, dentro de la obra para poder contemplarla.
A partir de 1962 introdujo un cambio sustancial en el modo de reconstruir los objetos cotidianos y empleó para ello lonas rellenas de estopa, con lo que sus formas no eran estables, a la vez que agigantaba sus tamaños. La reconstrucción de objetos industriales con materiales blandos y en una escala que los sobredimensiona pervierte su naturaleza matérica y funcional y modifica de forma irreversible la conciencia que de ellos tenemos.
Gigantesco y blando interruptor sueco de luz (1962, Ludwig Museum, Colonia); Hamburguesa, polo y precio (1962, Colección Carpenter, New Canaam), Máquina de escribir (1963-1964, Galería Sonnabend, París), y Sanitario blando (1966, Whitney Museum, Nueva York), son buenos ejemplos de ello. El cambio de duro a blando es también una incitación al tacto, un modo de dotar de calidez a la escultura, de querer hacerla más cercana al observador, porque con un objeto blando, afirma Oldenburg, se puede establecer un diálogo, mientras que la rigidez levanta un muro de indiferencia.
